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14.2.08

Efectividad de un Sitio Web

¿Qué debería tener un sitio web para generar impacto a quién lo visite, un banner espectacular, una animación, música?

Según Alvaro Mendoza, lo que hace que un sitio web sea vendedor no es un banner espectacular, una animación, música. La gente no va detrás de estas cosas, va en busca de una respuesta a su problemática. De tal manera que todo depende del producto o servicio que estás tratando de comercializar y de cómo lo estás promocionando; eso determinará cuáles son las herramientas que puedes utilizar para vender mejor desde tu sitio web.

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Diseño web. ¿Cuántos errores está cometiendo?

Alvaro Mendoza, reconocido experto en Marketing por Internet con más de 10 años de experiencia en el medio, explora 7 errores frecuentes a la hora de diseñar un sitio web de caracter comercial. Dichos errores son facilmente evitables. ¿Cuántos de ellos está cometiendo?

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13.2.08

Breve Historia del Diseño Gráfico

1. INTRODUCCIÓN
Tomando como punto de partida a los últimos sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y desarrollo de la tipografía, las secuelas de las iniciativas y experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVIcon la energía creadora con que se dieron origen a innovadores diseños detipos, normas de composición, ilustraciones y encuadernaciones, conjuntamente con representantes de gran prestigio.

En el presente trabajo se analizarán los principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de transición y normalización (siglos XVI al XIX). En lo que refiere a la historia del diseño gráfico, cabedestacar la influencia que tuvieron hechos como la Revolución Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la actividad publicitaria.

Además, es importante tomar en cuenta que muchos aspectos políticos, sociales y religiosos de cada época, han influido en la evolucióno retroceso en lo que concierne a los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de letras, el trabajo tipográfico, hasta la aparición de los libros, periódicos, enciclopedias y carteles que se tratarán a continuación.

2. ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI
Uno de los factores históricos determinantes fue el procesode involución política que culminó en 1543, con la instauración de la censura de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal quecaracterizó la producción de impresos durante el medio siglo anterior.

Sin embargo, uno de los avances más importantes fue elrenacimiento de la caligrafía, que se produce en medio de un absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que establecieron una burocracia que favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la imprenta, en poder de la Iglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de vanguardia y se convirtió en una actividad conservadora al servicio de las fuerzas políticas y religios astotalitarias.

Así, durante muchos años las legibles y armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos los Estados poderosos de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió gran valor en el siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con propósitos didácticos a través de sus tratados y manuales.

Cabe destacar la trilogía de maestros italianos conformadapor Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente y el calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una novedad didácticaen la práctica caligráfica al tratar de instruir alternativamente por medio detextos y grabados.

Debido a las condiciones políticas y económicas de la época,en el campo tipográfico el diseño de tipos se considera sólo por su funcióncomo elemento del proceso de impresión y su mayor exponente fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo, siendocauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los que practicaban estalabor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.

"La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima Garamond, fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana…"

En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el impulsorde la tipografía inglesa y diseñó un tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los aportes de Baskerville fueron muy innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel satinado para facilitaruna impresión nítida y brillante y la variante del uso a voluntad de la interlíneao espaciado entre líneas de texto impreso.

Por la gran producción de libros en este siglo, ladecadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada el grabado xilográficoal extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con este procedimiento yentonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado calcográfico (sobreplancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.

3. EL SIGLO XVII
En este siglo se dio un estilo homogéneo o académico a toda manifestación artística o artesanal, y a su vez se comenzó a utilizar una nomenclatura metafórica que permitió que la arquitectura fuese desplazada porla tipografía. En este sentido, el arquitecto Peter Behrens hizo referencia aque el tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de expresión de laépoca o estilo, y que próximo a la arquitectura, este proporciona el más severo testimonio del nivel intelectual de una nación.

La caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es importante resaltar que esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria incorporó a su repertorio lingüístico.

"En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y la ilustración son componentes que van apareciendo sucesivamente por orden, en un momento histórico en el que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y no, como hasta entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público."

A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducidoa sectores sociales privilegiados, este propone algo más que el reconocimientodel producto añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.

4. SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece la demanda en el negocio de la venta de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del siglo.

Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres elprimer diario comercial dedicado a la publicación de anuncios de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se encargaron de introducir untipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece fueron utilizadascomo cartas comerciales y facturas.

Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la publicidad por medio de la repetición se pone de manifiesto en los impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los establecimientos, acompañados deuna completa argumentación publicitaria. También, se debe tomar en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se encargaron de introducir la prácticadel Cartel mural en formatos pequeños ilustrados con xilografías.

En 1762 las autoridades francesas prohíben las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la modernización de la señalización comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a las necesidades de la época, debido a que estas eran muy rudimentarias.

En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de especialistas, fundamentalmente en diseñotextil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la imagen en un contexto máspreciso y menos trivial, utilizándola como complemento del texto y completarcon ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta manera la Enciclopedia.

En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es interesante la creacióndel alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es una extraña serie deletras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la letra y representa en cada una de ellas la planta de un edificio.

El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fuela Revolución Francesa de 1789, la cual establece una sociedad igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los diarios y periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.

La practica de la propaganda política introdujo a su vez ala caricatura y la sátira como nuevo elemento gráfico desde 1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización, de esta manera lacaricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original, sea este de orden político, social o religioso.

5. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑOGRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina semi automática proyectada por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge la linotipia.

El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y estrechos formatos.

En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Super negras (según el grueso del palo), y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.

Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En lo que compete directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnicadel grabado calcográfico como unidad estilística propia y aparece el billetecon el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse comoestrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.

6. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX
El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo dentro delas artes gráficas debido a la Automatización y a la Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones delos tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, etc.

La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático,y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la demanda del material impreso yel desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diariosy revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario.

Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos históricos (neoclasicismo, neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cualincluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.),acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el ArtNouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, nosolo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para suexpresión.

La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, latrama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película de animación,las diapositivas de linterna mágica, entre otros.

Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo radical, anarquista, ni hilista de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una líneadivisoria. Es así como se desecharon los estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.

Los principios inspirados por la revolución que produjo enla industria, la arquitectura y la construcción, la nueva maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los gigantescosedificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la construcción modular en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en una metáfora para la construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicasdentro de las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y no tradicionales del modernismo.

7. ACOGIDA DE LA BAUHAUS
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servíancomo una escritura con la que podría analizarse y representarse la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación de la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.

"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores primarios."

Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseñola Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas,el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.

La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño.

La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo ordende ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse tanto a la escrituracomo al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o imagen simple.

El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee, y "Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky, fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de laescritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguajede la visión, la psicología de la Gestalt ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la enseñanza básica del diseño.

El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fueJohannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de los planes prácticosde Walter Gropius (arquitecto fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela,luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre color y loselementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de formas básicas.

En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráficoes un modelo de expresión pictórica y sus manuales de diseño describen a la líneacomo un solo punto arrastrado a través de una página. De igual manera,Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de trazarcorrespondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de experiencias nográficas como el color, la música, la intuición o la percepción visual.

La serie representa el intento de Kandinsky de probar una correlación universal entre el color y la geometría, y se ha convertido en unode los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadores aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue siendo la base de numerosos libros de texto de diseño básico.

En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar validez mediante el test psicológico a laserie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje visual como sistema deoposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación directa con los mecanismos del ojo y el cerebro.

La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un tramado deoposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, eizquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre la continuidad y la discontinuidad.

En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.

8. MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la disposición repetitiva de una colección de signos según determinadas reglas de combinación. La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha sido organizar los elementos geométricos y tipográficos en relación con oposiciones formales tales como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura / fondo, lineal /plano o regular / irregular.

Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna deldiseño en los años cincuenta y sesenta, donde la intuición se convirtió enun elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como: Entre más exactos y completos son los criterios, tanto más creativa esla obra.

En los comienzos de los años setenta, la unión entre elsistema racional y la elección intuitiva se convirtió en la preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma moderno, por esemotivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto Neomoderno depersonalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de unacomunicación universal libre de valores.

Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueron intentos para lograr un orden lingüístico, cultural o psicológico queregulara el acto creativo individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de loslenguajes que utilizamos.

9. EL NACIMIENTO DE WEIMAR
Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república con la capital en Weimar, la cual tuvo que negociarla paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los alemanes que estaban en loscampos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.

Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación dela nación alemana presenciaron su desarrollo hasta que se convirtió en la naciónmás industrializada y militarizada de Europa. Con la rapidez de su urbanizacióne industrialización las artes prosperaban en Alemania, Diaghilev, cuyasproducciones toparon con la animosidad de otras capitales europeas fue bienvenido en Berlin.

"Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida, Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar."

En el caos del mundo alemán había la esperanza de quepudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo. Gropius llamó a launificación de las artes, pero la ausencia de una república alemana convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la devastación infligida por los nazis.

10. EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de lacultura del siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la Bauhaus impulsaron unnuevo modo de pensar sobre la visión y la función del entorno visual.

Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose parareflejar y reforzar una sociedad jerárquica, muchos miembros de la Bauhaus creíanque el futuro dependía de unas leyes universales de la razón que no estabanvinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional.

Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius loinvitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta. Bayer desempeño un buenpapel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba tipos de paloseco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir composicioneslimpias y lógicas.

Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias de la funcionalidad,este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa una reducción de las formas de letras romanas asimples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria y a latecnología y se adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.

11. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticos se han visto representados por importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V.Beardsley, quien destaca como dibujante y es llamado "el discípulo deldiablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William Morris y secaracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de fines del sigloXIX, influido por el arte oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños el predominio de los espacios en blanco, brillóen la ilustración de libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894).

Otros representantes destacados fueron el notable arquitectoingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren y el acuarelista ypintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las artes (Modernismo) y delArt and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm, RobinHood y Don Quijote.

Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso deformas geométricas, simples y sin ornamentos, aunadas a una tipografíaigualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos,artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado porWilliam Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fishery Christopher Whall.

Uno de los más notables precursores del racionalismo fue elarquitecto británico Charles R. Mackintosh, quien se destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación en la elaboraciónde carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la búsqueda de la estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves curvas.

Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks y asistió a clases dedibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó a creer enla unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert P. Horne, y elartista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el periódico delGremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado inicialmente por Mackmurdo.

El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñadorde teatro. Empezó su carrera profesional como diseñador de carteles y comoilustrador de libros, donde los contrastes llamativos de negro y blanco de su técnicadel woodcutting fue acostumbrado a gran efecto.

En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartelcon sus cuñado James Pryde y los dos se dieron a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).

Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentarcon la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e innovación en elmedio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos estéticamentey comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina Victoria, elcual es una de las impresiones británicas más famosas.

Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quienoriginalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional estimuló unanueva abstracción geométrica en su trabajo.

De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artísticoal AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa del mundo. Behrenses considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial,y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.

12. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTAART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.

Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la cultura, esfigurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas decoca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y lacanción, etc.

Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades),hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.

Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, AndyWarhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.

13. EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno de los países con mayor tradición históricaen el campo de las artes gráficas, la obra impresa más antigua del país datadel siglo XVII. La figura colombiana más relevante es David Consuegra (1939), quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá brindando su experiencia ytalento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.

En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien después de trabajar en Paris endiversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas, se establece en Lima implementando las influencias europeas en el diseño gráfico contemporáneode América Latina.

El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca losorígenes de la imprenta en este país, y la iniciativa de mejorar el diseño delos sellos de la Administración de Correos se debió a un grupo de diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la calidad del diseñovenezolano.

Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracasy fue autor de 26 sellos para la Administración de Correos y es calificado comoel padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F. Nedo es el segundo pioneromoderno del diseño venezolano quien inició su larga e intensa colaboracióncon Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson.

En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan deZumarraga es el autor del primer libro impreso en América, casi doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa en Argentina.Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de reproducir imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de esos menesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas políticas en periódicos similares a los europeos.

"…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la historia del diseño gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer una producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…"

Otros artistas gráficos de gran relevancia además de José Guadalupe Posada, fueron: Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.

En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráfico aplicado al consumo, probablemente la más antigua de Latinoamérica, antes demediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y de una practica aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez aun país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de la vieja Europa.

Indudablemente la historia del diseño cubano en litografíala escribió Francisco Murtra, la de la tipografía José Mora y la delcartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix Beltrán.

En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, losmejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y Valerian Guillard.En los años sesenta este país era la primera potencia de América Latina en la edición de libros y otros materiales de lectura como por ejemplo, los diarios.Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los argentinos hantenido mayor proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás Maldonado.

La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto elestablecimiento de las sucursales de las grandes agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y mercantildel Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de producción industrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitarios en 1940.

El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de altísimo nivel como GuiBonsieppe.

14. ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a unagran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creaciónde diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar eluso de programas como Photoshop, CorelDraw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.

Los programas como CorelDraw y Free Hand son los mejores programas gráficos de nuestra época, ya que han sabido capturar la imaginacióndel artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de hacerla realidad. Además, han solucionado con la evolución de sus programas, ciertas áreasproblemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite haceruso de una práctica mini-previsualización de la impresión.

En CorelDraw los clásicos efectos como las Mezclas o losContornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de Herramientas Interactivo.Este menú es un nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso atodas las herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el programa de una manera más productiva y eficiente.

En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permitencon sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico,variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.

Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaroncon su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores,ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema de distribución deinformación World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución deldiseño gráfico a nivel mundial.

Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces dehipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar lasetiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas deHipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por este motivo las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna decoración.

Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada delos primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos, gráficosy textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son reconocidos programas para la realización de páginas web.

Bibliografia:
SANTUE, Enric. "El Diseño Gráfico desde sus orígenes hasta nuestros días."
LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. "El ABC de la Bauhaus y la Teoría del Diseño."
Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat Editores. Barcelona. 1978.

Diseño de un persojane

1) Miro la hoja en blanco, nada, la vuelvo a mirar, me toco la sien, miro mis uñas, noto que una de ellas esta sucia, nada, esta pasando el tiempo y ya empiezo a mosquearme que porque habré aceptado de hacer un tutorial de cómo dibujo si yo mismo no se como diablos lo hago.

2) La cosa mejora, uno de esos flash que a veces aparecen por mi cabeza, me acaba de vislumbrar una forma de alguien con los brazos cruzados y una cara de malo, aún no esta definido totalmente pues habrá que ver que tanto lograre plasmar en la hoja, ya de echo he empezado poniendo una línea de acción en forma de “ese” para tener una mejor pose de personaje.

3) Ah, importante, a este punto tengo abierto el word y el photoshop, una hoja bond, un portaminas 0,5 con una mina 2HB (semi-blanda), y un lápiz bicolor aguardando turno.

4) Paso a crear la volumétrica del cuerpo, con lápiz, y sin acentuar mucho la línea pues considero que nada es definitivo aún, de hecho esto del “tuto” lo siento como una “intromisión” que me ha puesto a dudar si es exactamente esto lo que hago cuando no pienso que me están mirando (ayayay... maldita paranoia). Mirando el esqueleto y releyendo el punto dos me doy cuenta que “del dicho al hecho...”

5) En un paso no muy usual, acabo de hacer un boceto aparte de la cabeza pues, no tenía claro que quería hacer finalmente parece que de “Cuco” nada, y apostare por una especie de felino antropomórfico, mientras trabajo con el bicolor, he logrado más fuerza a la expresión de los ojos compensándola con una quijada grande y cuadrada.

6) Llega el momento de ir definiendo más la figura con el bicolor me pongo a la tarea, cada línea me va obligando a crear otra en compensación, pongo en funcionamiento lo que en principios de animación se le conoce como “unidad de expresión”, cada parte dibujada va “empujando” la posición de la siguiente así hasta completar la figura en su postura final (vaya ya hablo igual que el Loomis).

7) He empezado a presionar más el bicolor, para ir marcando mejor las líneas que estoy considerando como definitivas, no lo hago usualmente pero en esta oportunidad para que se note más claro he ido marcando más grueso aún las líneas que refuerzan la idea de una composición en forma de “eses” o ondas, pues la encuentro más adecuadas para un ser felino y se me antojan trasmitir al espectador el nivel de plasticidad a la hora de moverse del personaje.

8) Ya solo resta ver si pasaré tinta usando pincel, plumilla, plumón (fieltro), o directo lo pasaré al photoshop. Descarto estilógrafo por dos cosas principales. Uno siempre da una línea “uniforme”, dos el ultimo estilógrafo que compré ya se malogró y no lo extraño para nada.
Descarto también la plumilla pues estoy usando una hoja bond y me fastidiaría mucho que se atracara en el papel y creara un manchón de tinta, queda el pincel y el plumón en todo caso que calcara la figura en mi mesa de luz para lograr más limpieza en el acabado. Por otro lado sería interesante mantener la línea del boceto pues siempre tendrá más fuerza y ayudará a mostrar mejor el proceso. Hmmmm. se me ocurre que usaré un fine-pen así dejo bien clara la línea para el escáner y mantengo en lo posible algo de la fuerza del boceto, el resto lo borraré en el photoshop.
No es así cuando trabajo digamos “profesionalmente”, cuando estoy apurado (todos los días) hago el boceto a lápiz y en la misma hoja paso tinta y borro el lápiz. Muy contadas veces uso calcar en hoja aparte para quedarme con el boceto, y lo hago por una razón práctica, que es a final de cuentas el doble de espacio de almacenamiento para guardar entintados y bocetos.


9) Escaneo a 300 o 600. 300dpi usando escala de grises si es una ilustración más pictórica y pintada directo en photoshop, si voy a vectorizar uso 600 dpi en línea de arte (BMP). Si coloreo uso como formato de pintado PSD o TIF que me permite usar capas de pintado (layers) aunque luego termine haciendo una copia en JPG para este tutorial he escogido escanear a 600 y en grises para mantener cierta calidad y que soporte mejor la reducción del dpi posterior pues se supone terminara siendo un dibujo dentro de la web.

10) Estando en escala de grises ajusto el umbral del brillo y el contraste, empezando por el brillo que me permitirá desaparecer ciertas líneas del lápiz.

Cuanto le pongo al brillo o el contraste dependerá de cómo se vaya viendo mejor, no hay ni escala ni tablas que consultar más que aquellas que tu propio parecer.

11) Empezare a borrar las líneas que van sobrando con el borrador, algunas de ellas aunque eliminadas pasaran a ser una especie de”recuerdo guía” que insinúe a la hora del pintado volumetría. Además siempre puedo ver la hoja donde esta el dibujo.


Claro toda esta última parte dedicada a borrar el lapiz puede ser omitida facilmente, primero pasando en limpio en una hoja diferente la tinta, tambien existen en el mercado colores que no son registrados por los escaners, o escogiendo la opcion "artwork" o b/n a la hora de escanear. En todo caso no dejaba de ser lo interesante mostrar el proceso que estaba siguiendo mientras hacia este pequeño tutorial.
12) Ya limpio con el contorno definido el dibujo esta preparado par aplicar el color digital.

Javier Prado

La primer impresión es la que vale

Por Federico Elgarte

Encontrar el diseño acertado: los caracteres tipográficos, los colores, su forma, su puesta en uso todo apunta a determinar una personalidad gráfica, la imagen visual es muy valiosa y hace a la importancia de la empresa.

En diseño gráfico, al crear un logotipo para determinado producto y/o servicio, sabemos de antemano, que quien nos pide dicho trabajo no pretende solamente que el mismo sea reconocido a través de la imagen o el tipo de letra que lo represente, sino también, que refleje calidad y confiabilidad; así, el receptor, elegirá nuestro producto y/o servicio de otros similares.

Hoy por hoy, formamos parte de una sociedad cada vez más exigente y competitiva.
Con el surgimiento de Internet y su rápida expansión e inclusión en todos los aspectos del quehacer cotidiano (leer el diario, hacer amigos por chat, hacer las compras en el supermercado, etc), el aspecto visual de las empresas que ofrecen estos servicios es muy importante y nos permite elegir rápidamente cuando se nos crea la duda ante opciones diferentes de una misma cosa.
Contar con una imagen importante, es la única forma de sobrevivir en este entorno saturado de ofertas.

En otros artículos de esta web, hacemos hincapié en que un sitio se destaca del resto por la calidad de información que maneja; pero también creemos que una sociedad sin imagen es como un papel en blanco, no dice nada.

Pero…¿Cómo se diseña un logotipo?

No podemos enseñarle a crear, ya que este acto es muy personal. Cada uno decide que aspecto tendrá su logo y cuáles serán los elementos de diseño que le darán forma y color.

Las variables en juego son tantas y de tan variada evaluación, que utilizar un mismo sistema de abordaje, limitaría la actitud creativa.
Como apuntamos anteriormente, el diseñador debe amoldarse (en cierto modo) a los gustos de su cliente; sin dejar de fantasear para llegar a concretar su idea.
Es muy valiosa la ideación por sobre cualquier otra característica, especialmente en estos días y más aún en esta sociedad globalizada en la que vivimos, donde las modas tienden a unificar conceptos. Previo al acto de darle forma al logotipo, el diseñador debe analizar cierta información sobre el producto, el servicio o la empresa, como así también del emisor, -persona para quien realizará el trabajo-.

Para conocer bien a su cliente, el diseñador tendrá que averiguar:

  • ¿Cómo se ve así mismo el emisor-cliente?
  • ¿Cómo cree que se percibe su empresa – servicio – producto?
  • ¿Cómo supone que la gente lo ve?
  • ¿Cómo presume que quisiera ser visto?

Una vez que tenemos respuestas a estas cuestiones (y otras tantas que usted considere necesarias saber), el diseñador deberá hacerse algunos planteos, tales como:

  • ¿Cómo debo encarar objetivamente el problema?
  • ¿Cuánto de mi desinformación, prejuicio e inclinación debo dejar de lado?
  • ¿Cómo evito que mi estilo (o el de moda) interfieran en la correcta configuración final?

Se ponen en juego varios factores (presentación, eficiencia, promoción, etc.), para que el producto se inserte en el subconsciente del receptor, y es él, por último, quien determina la eficacia – éxito o la ineficacia – fracaso de una marca.


12.2.08

Formas de alineación

El texto puede alinearse de cinco formas distintas: alineado a la izquierda, alineado a la derecha, justificado, centrado o asimétrico.

  • El texto alineado a la izquierda es el más natural y recomendable para textos largos. Crea una letra y un espacio entre palabras muy uniforme, y dado que las líneas terminan en diferentes puntos, el lector es capaz de localizar fácilmente cada nueva línea. Esta es posiblemente la forma de alineación de textos que resulta más legible.
  • Sin embargo, la alineación a la derecha va en contra del lector porque es dificil encontrar la nueva línea. Este método puede ser adecuado para un texto que no sea muy extenso, pero no para grandes bloques.
  • El texto justificado (alineado a derecha e izquierda) puede ser muy legible si el diseñador asegura que el espacio entre letras y palabras sea uniforme y los molestos huecos llamados "ríos" no interrumpan el curso del texto. Normalmente cualquier programa de autoedición facilita al diseñador afinar los espacios. Algunos programas dan dos tipos de justificado, uno el normal y otro en el que se justifica también la última línea.
  • Las alineaciones centradas dan al texto una apariencia muy formal y son adeucadas cuando se usan mínimamente. Pero debe evitarse configurar textos demasiado largos con este modelo.
  • Las alineaciones asimétricas se usan cuando el diseñador desea romper el texto en unidades de pensamiento lógicas, o para dar a la página un aspecto más expresivo. Obviamente la configuración de grandes cantidades de texto de esta manera acaba por cansar al lector.

Formatos en diseño publicitario

Existen diferentes formatos en los que podemos presentar la publicidad (anuncios) en una revista, periódico u otras publicaciones: página completa, doble página, media página, robapáginas, faldón y módulo.

- El módulo, es el formato mínimo de representación de un anuncio. Cuando establecemos el tamaño que tendrá nuestra retícula en una determinada publicación estableceremos ese tamaño de módulo que no será igual en todos los periódicos o publicaciones pero que aproximádamente su tamaño estará entre los 40mm. de alto por 46 mm de ancho.

Este se establecerá como la expresión mínima de un anuncio (excluyendo a los anuncios por palabras) y normalmente sólo están compuesto de texto o de una ilustración u hornamentación mínima.

- El faldón, es aquel formato que ocupa la parte inferior de la página, y que puede tener una altura variable, siendo siempre inferior a media página.

- La media página, se puede disponer de dos formas diferentes: horizontal y verticalmente.La media página vertical aunque en un formato que puede resultar un tanto forzado para algunos diseños, por lo general es más ágil, eficaz y visible, ya que en la horizontal suele hacerse más complicada la comunicación al tener el peso de las noticias encima. Suelen tener el incoveniente de que la otra media página está ocupada por noticias independientes en su contenido a dicho anuncio.

- El Falso Robapáginas, el espacio que deja para las noticias es mayor que el del anuncio del Robapáginas.

- Robapágina, este formato ocupa la página casi entera, de tal forma que puede crearse un anuncio casi de las mismas características que el de una página entera, siendo a su vez más barato y teniendo una alta efectividad aunque pagando -evidentemente- un precio menor publicitario que por la página completa.

- La página, es un formato adecuado para crear impacto y no pasar desapercibido. Son impactantes y no pasan desapercibidos los anuncios que ocupan este espacio.
Según su posición en la publicación se encarecerá más o menos dependiendo de si se encuentra en una situación concreta así como en página impar o par, siendo la impar la más cara y eficaz.

- La doble página, es utilizada normalmente por empresas grandes. Este formato corre el riesgo de ser pasado por alto, ya que, el lector percibe rapidamente que no contiene noticias, solo publicidad.
Pero normalmente este formato aún más impactante y eficaz que la propia página. Su precio es alto, más si hablamos de la Doble Página Central, que tiene la particularidad de no encontrarse el anuncio dividido en dos partes.

Formatos de anuncio en revistas

Los Formatos de anuncio más comunes en Revistas son:
LA PÁGINA
LA DOBLE PÁGINA
1/2 PÁGINA HORIZONTAL
1/2 PÁGINA VERTICAL

Al igual que ocurre en los periódicos, los formatos estarán supeditados según su caso particular o el tipo de anuncio que se quiera dar.

Dentro de los diferentes tipos de formato que pueda ofrecer una revista podemos encontrar otra clase de formatos que se añaden a los anteriormente citados:
1. La doble media página centrada horizontal:
Su espacio ocupa dos páginas, teniendo textos periodísticos a su alrededor, que asegura de alguna manera que el lector se detenga en dicho anuncio, ya que romperá la lectura del artículo.

2. La doble media página enfrentada vertical:
De igual manera se le sigue dando espacio para el texto periodístico, y a su vez ocupando un espacio considerable el propio anuncio.

3. El anuncio isla:
Impacta su manera de estar colocada aisladamente, aunque de manera contradictoria con riesgo de perderse entre el contenido. Y si su colocación resulta extraña, su coste es mayor y no todas las publicaciones admiten este tipo de loscalización del anuncio.
Su mejor manera de destacar y de impactar es contrastar, anunciando con blancos y negros entre un mar de colores que pueda ofrecer una revista.

4. Los encartes:
Es un soporte externo al propio soporte del medio como la Revista y que se inserta entre las páginas de estas o en el retractilado que lleva la publicación.
Permite muchas posibilidades en la presentación del producto, pudiéndose escoger el tipo de papel y su gramaje, los colores, si lleva o no troquelados e incluso muestras del producto. En aquellas publicaciones que van retractiladas, también es normal que aparezca dentro del retractilado. Este método de presentar la publicidad permite muchas posibilidades, entre ellas dos importantes:

  • No tiene ciertas limitaciones, como por ejemplo el espacio, el compartir página con otros anuncios, exponer mucha cantidad de información...
  • Diferenciarse del resto de los anuncios.

Como hemos visto, hay diferentes formatos para presentar la publicidad, y aunque parezca muy evidente que los formatos grandes son más eficaces, todo depende de la forma en que este realizado el diseño.
De nada sirve una página completa en el periódico, si el diseño es malo, ya que no atraerá y se paserá de largo sin ningún tipo de interes.

Tamaños ISO de la serie A

ISO
milimetros
inches Points
4A0 1582 mm x 2378 mm

66.22 in x 93.62 in 4768 pt x 6741 pt
2A0 1189 mm x 1682 mm
46.81 in x 66.22 in 3370 pt x 4768 pt
A0 841 mm x 1189 mm
33 in x 46.81 in 2384 pt x 3370 pt
A1 594 mm x 841 mm
23.39 in x 33 in 1684 pt x 2384 pt
A2 420 mm x 594 mm
16.54 in x 23.36 in 1191 pt x 1684 pt
A3 297 mm x 420 mm
11.69 in x 16.54 in 842 pt x 1191 pt
A5 148 mm x 210 mm
5.83 in x 8.27 in 420 pt x 595 pt
A6 105 mm x 148 mm
4.13 in x 5.83 in 298 pt x 420 pt
A7 74 mm x 105 mm
2.91 in x 4.13 in 210 pt x 298 pt
A8 52 mm x 74 mm
2.05 in x 2.91 in 147 pt x 210 pt
A9 37 mm x 52 mm
1.46 in x 2.05 in 105 pt x 147 pt
A9 26 mm x 37 mm
1.02 in x 1.46 in 74 pt x 105 pt

1960 Braun - 2008 Apple

Diseños de los productos de Braun en 1960 comparados con los de Apple...

- El buen diseño es innovador
- El buen diseño hace un producto útil
- El buen diseño es estético
- El buen diseño nos ayuda a entender un producto
- El buen diseño es discreto
- El buen diseño es honesto
- El buen diseño es durable
- El buen diseño es consiguiente al detalle pasado
- El buen diseño se refiere al ambiente
- El buen diseño es diseño tan pequeño como sea posible


Braun Atelier TV and latest iMac 24
imac-comp.jpg

Braun T1000 radio and PowerMac G5/Mac Pro
powermac-comp.jpg

Detail of the radio perforated aluminum surface
powermac-comp2.jpg

Braun T3 pocket radio and Apple iPod
ipod-comp.jpg

Braun L60 sound system and Apple iPod Hi-Fi
ipod-hifi.jpg

Braun LE1 speaker and Apple iMac
mac-speaker.jpg

Para ver el artículo acá.

La Historia de Adidas: Adi Dassler (Stop Motion)

Excelente y emocionante el video creado por la agencia 180 amsterdam sobre la historia de Adidas en Stop Motion para la TV en UK...
30 personas y más de un mes de trabajo. La música fue compuesta especialmente para el anuncio por the Prague Symphony orchestra.

11.2.08

Diferencias entre Agencia de Publicidad y Estudio de Diseño

Las Agencias de publicidad son visualizadas como ligadas al aspecto Estratégico del negocio.
Los Estudios de diseño gráfico son vistos como ligados a la parte Táctica del negocio.

Las A suelen ser evaluadas por periodos de tiempo.
Los E suelen ser evaluados por trabajo realizado.

Las A son elegidas cuando se embarcan en campañas en las que es necesario manejar distintos medios.
Los E para trabajos puntuales (papelería, catálogos, etc.).

Las A son poco flexibles por su infraestructura.
Los E son flexibles responden a las urgencias.

Las A no tienen buena calidad de trato con empresas medianas, hacen notar que no son sus principales clientes.
Los E suelen tener buena calidad de trato, hacen sentir que son sus principales clientes.

Las A suelen tener grupos de trabajo dedicados a uno o dos clientes.
Los E trabajan todos para todos los clientes.

“Todos los colores son los amigos de sus vecinos y los amantes de sus opuestos.”

Marc Chagall

La historia del alfabeto

El alfabeto, como el idioma, evolucionan permanentemente y a una velocidad variable según los tiempos y las tecnologías. Es interesante saber como fue dandose esa progresión, esa suma y esa optimización de los sígnos

EVOLUCION LATINA DEL ALFABETO

En el sitio de la Universidad de Maryland, hay un apartado donde se muestran animaciones sobre las modificaciones del alfabeto a través del tiempo. En lo que respecta al alfabeto occidental: aquí el ejemplo de su evolución.

Pruebas de color / Preprensa

Existen distintos tipos de pruebas de color. Las que se imprimen de los negativos como: Chromaline (Dupont), Color Art, (Fuji) y Matchprint (3M). El fondo en el que se imprime es blanco.

Hay otras como el Clor Key y el Croma Check que son en sustrato transparente. El tercer tipo son las de mejor calidad, las digitales, por ejemplo la Tektronix y Rainbow por sublimación de tinta finalmente la Iris (inyección de tinta).

Qué tenes que revisar en una prueba de color:

1) Registros de corte, color, suaje y doblaje coincidan perfecto.
2) Rebase y márgenes correctos.
3) Porcentajes y tamaño de las imágenes. Revisar que no estén invertidas.
4) Tipografía que el estilo y el tamaño sean losa correctos, que no esté empastada o encimada.
5) Que los colores sean los correctos.
6) Ángulos correctos para evitar moire.
7) Barra de control.
8) Overprint y trapping.

Nota:
Siempre que haya aclaraciones hacerlas sobre la prueba.
Revisar que nos regresen todo el material.
Es mucho mejor si haces la prueba de color sobre el sustrato en el que vas a imprimir para estar seguro que el color que queda es el que en un principio querías.

Diseño de fuentes tipográficas

10.2.08

25 maneras de ser un Freelancer más efectivo

  1. Trate de ver el producto o servicio que ofreces a través de los ojos del cliente - ¿por qué debería contratarte?
  2. Ser fiables y crear credibilidad.
  3. Siempre cumplir, y si es posible batiendo las fechas de entrega.
  4. No realizar promesas o tener espectativas poco realistas.
  5. Cuando haya problemas con un proyecto, usarlo como una ventaja.
  6. Dar atención a todos y cada uno de los clientes, que los haga sentir único y especial.
  7. Construir una relación más personal con el cliente (aunque no demasiado personal).
  8. No dejar al cliente en la oscuridad (sólo se necesita un minuto para enviar un e-mail).
  9. Hacer preguntas para poder entender mejor el proyecto y estar a la altura de las expectativas
  10. Obtener información de sus clientes para que pueda mejorar sus servicios y productos
  11. Tener un sitio web sencillo y de fácil navegación para ofrecer tu servicios de forma clara y que los no-técnicamente instruidos pueden a llegar a vos.
  12. Reconocer sus clientes y mostrar el reconocimiento
  13. Sé rápido en respuesta a los mensajes de correo electrónico y mostrar mayor respeto
  14. Si usted tiene una reunión con un cliente, ya sea por teléfono, en mensajes instantáneos o en persona, llegar temprano.
  15. Si es posible reunir la mayor cantidad de información acerca de su cliente como sea posible de modo que muestre que está bien preparado
  16. No hay necesidad de centrarse en los problemas, hay que centrarse en la búsqueda de soluciones
  17. Ofrecer diferentes paquetes y ofertas (ejemplo: 3 paquetes, de bronce, plata y oro)
  18. Deje que su trabajo hable por usted - ¿Ha ganado un premio de diseño? ¿Tienes tu sitio en alguna galería? ¿Tienes entrevistas realizadas?
  19. Dé a sus clientes lo que quiere todo ser humano: la amistad, el respeto, el reconocimiento, la preocupación, la fiabilidad y siempre mantiene tus promesas
  20. Déle a su negocio una personalidad independiente, así que los clientes verán que usted y/o su empresa como única y amigable
  21. No importa el valor de su servicio o producto para usted, el valor tiene que ser para el cliente
  22. Enviar breves mensajes de correo electrónico a tus clientes anteriores de vez en cuando a fin de estar en contacto
  23. Cuando el cliente pide pequeñas cosas que hay que hacer, hay que hacerlas. Son tan importantes como las grandes cosas.
  24. No intimidarse si obtiene un alto perfil de cliente, esta persona o empresa le ofrece un puesto de trabajo porque piensa que vale la pena su tiempo y dinero. Eso es muy buena señal!
  25. Lo más importante que tenemos que lograr es que cada cliente puede convertirse en nuestra mayor referencia, sin la creación de un sistema de afiliación. Si seguimos los consejos anteriores, es probable que nuestros clientes nos referiremos a los demás.

Errores cometidos como Freelancer

Bajo precio
Sin lugar a dudas el principal problema que se presenta al iniciarse en el trabajo freelance es el de conseguir el trabajo mismo, hacerse de clientes y proyectos por encarar. Es por esto que en muchos casos casi regalé mi trabajo con tal de tener algo. Hoy me pongo a pensar en los precios que manejaba al principio y me doy cuenta de que eran poco serios, aunque adecuados para el conocimiento y experiencia que tenía en ese momento.

Sobrecomprometerme
Algo que aprendí con el tiempo es que cada trabajo tiene un punto de inicio y uno de conclusión. El cliente compra tu tiempo compra tu tiempo sólamente dentro de ese plazo y cualquier cosa que necesite fuera del mismo deberá pagarla aparte. Además sólo compra tus horas de trabajo, no tu vida. Este es un error que también cometí, el de sobrecomprometerme con el trabajo y estar constantemente pendiente de él.

El contrato entre las partes
Un error que cometí mucho al prinicipio y que me trajo grandes dolores de cabeza fue el de no estipular de antemano las condiciones del contrato no formal que se establece al comenzar un trabajo con un cliente nuevo. Si no se marcan bien los límites de las obligaciones y beneficios de cada una de las partes (freelance y cliente) el trabajo puede volverse algo incómodo y poco serio.
Dejar sentado todo por escrito en algun correo electrónico por escrito en algun correo electrónico, PDF o cualquier otro documento va a dar al trabajo un marco distinto al cual recurrir en caso de malos entendidos.

Malas respuestas y decisiones
Muy relacionado con el sobrecompromiso, un error que he cometido es el de dar malas respuestas a ciertas situaciones, muchas veces aceptando trabajos que no eran para mi. Como ya he comentado en algunas ocasiones, hay momentos en los cuales la respuesta tiene que ser “si” y otras en las cuales debe ser un rotundo “no”. Sólo el tiempo y la experiencia te hacen tomar mejores decisiones.

Preguntas a las que un Freelancer debe responder “No”

En ocasiones hay que responder no para que nuestro trabajo sea más próspero, agradable y respetable. Algunos ejemplos:

¿Puedes mostrarme un esquema que nos ayude a elegir el diseñador? No.
No trabajes gratis ni pierdas tiempo en un hipotético trabajo.

¿Puedes hacerme un descuento en el precio? No.
Es poco serio aceptar hacer un descuento, es una forma de decir que puedes hacer este trabajo por mucho menos y que el resto del dinero lo cobras sin saber por qué.

¿Vas a registrar mi dominio y hostear mi web? No.
Ese no creo que sea un trabajo que te corresponda. El tema del dominio y el hosting es algo muy personal del dueño del sitio. Además administrar esos aspectos es muy engorroso.

¿Puedes copiar este sitio? No.
Ese va a ser un gran problema para vos, puedes perder todo tu respeto por hacer eso, hasta tal vez ganarte algún problema legal. Es un trabajo simple y por ende dinero fácil, pero no caigas en eso.

¿Puedes tener esto terminado para esta noche o para mañana? No.
Es muy difícil saber cuando algo puede estar terminado, principalmente cuando debe gustarte a vos, no a mi. Además, en caso de estar apurado, vas a tener que pagar por eso.

Preguntas a las que un Freelancer debe responder “Si”

Preguntas a las que un Freelance debe responder que sí para conseguir más trabajo y tener una mejor relación con el cliente.

¿Me podes decir tus precios? Sí.
Los aranceles que manejas no tienen que ser ningún secreto para los demás. El famoso método de tratar que el cliente ponga el precio para ver si se puede sacar algo más de lo normal no es lo mejor. Es importante también saber defender los precios de cada uno.

¿Puedes mostrarme otros trabajos tuyos? Sí.
Que mejor manera de mostrar como trabajamos que enseñar lo que ya hemos hecho. Un portfolio bien nutrido y detallado es una buena manera de conseguir potenciales clientes.

¿Podes tener esto terminado para mañana? Sí.
Pero acalarando que si el cliente estaba dispuesto a pagar por ese plus y el trabajo estaba dentro de lo factible podíamos aceptarlo. Hay que analizar bien esta respuesta, tal vez no lleguemos a tenerlo listo para mañana, perderemos el trabajo, el plus y el tiempo utilizado.

¿Sos capaz de hacer …? Sí.
Tal vez el cliente te esta pidiendo en el trabajo algo que no has hecho nunca o en lo que no te especializas. No importa, dile que si puedes hacerlo. Primero inténtalo, si no hay buenos resultados terciariza el trabajo, para esto hay que tener una muy buena lista de contactos disponible.

¿Puedo editar el sitio por mi cuenta? Sí.
Esto es clave hoy en día, el cliente quiere tener la posibilidad de modificar su sitio de manera simple cuando se le antoje. Tal vez hace algunos años esta respuesta era algo difícil de responder, pero hoy con tantos CMS y scripts dando vuelta sin lugar a dudas tiene que ser “sí”.

¿Ofreces apoyo luego de terminado el trabajo? Sí.
Hay varias formas de manejar esto. Una buena manera de hacerlo es prestando soporte por cierta cantidad de tiempo de manera gratuita donde se traten errores en el trabajo o la optimización de mismo. Luego del momento en que el trabajo se considera finalizado, si se quiere modificar algo será trabajo nuevo, lo cual deberá ser remunerado con dinero nuevo.

¿Hay alguna otra manera de pagarte además de la que me acabas de decir? Sí.
Mientras más formas de posibilitarle el pago al cliente tengas, menos trabajo perderás por este motivo. Las 3 básicas y que por ejemplo yo utilizo son depósito bancario, Paypal y personalmente. Cada una se aplica por lo general por la ubicación geográfica del cliente.

10 Absolutos NO para Freelancers

1. ¿Puedes realizar un mock-up para ayudarnos a elegir un diseñador?
No.
Caí en esta trampa cuando era jóven e inocente. No ganaba dinero y desperdiciaba mucho tiempo. No hagas trabajo que no se te va a pagar por una chance de que luego te paguen. Esto no pasa en ninguna otra industria, porque en el diseño? En el mejor de los casos (muy raros) puedes obetener un trabajo con un cliente que sabe que vas a trabajar gratis cuando sea necesario. El peor escenario es que no te pagen e igualmente usen el trabajo que hiciste a sabiendas de que no tienes los recursos legales necesarios para hacer algo al respecto. Más que nada vas a perder el tiempo.

2. ¿Puedes hacernos un descuento?
No.
Hay muchos estudios medianos y grandes que ven el diseño, en especial el diseño web como un servicio que no vale 20 dólares la hora (el costo por hora depende del país y/o continente). Esos estudios nunca deben ser tus clientes. En aquellos años en los que asistía a la universidad sobrevaloraba muchísimo la cuestión de "OBTENER EL TRABAJO", tomaba trabajos de muchas horas por muy poco dinero. Dejame decirte que no vale la pena. Nunca. Recuerda, puedes estar haciendo a ese estudio un favor, pero por otro lado estás lastimando tu propio futuro y el de tu familia. En estos días comunico el costo por hora que voy a cobrar inmediatamente, eso espanta muchos potenciales clientes. Es matemática simple realmente. Si duplicas tu costo por hora pierdes la mitad de tus clientes, a pesar de eso estas ganando el mismo dinero que antes y trabajas la mitad del tiempo. Su tu haces un trabajo excelente, que tu cliente te pague por ello, siempre habrá profesionales o estudios similares cobrando el doble de lo que cobras tú.

3. ¿Registrarías mi dominio y contratarias el webhosting?
No.
Estoy seguro de que parece una buena idea. Un poco de dinero extra? Quizás no... Primero debes lograr que te paguen, luego sí puedes justificar ganar 10 dólares por soporte indefinido a tu cliente que además deberás proveer incluso por la noche. Lo cierto es que cuando tu cliente piensa que eres responsable por sus emails y sitio web, VA A LLAMARTE todo el tiempo cuando su cuenta de mail muestre el más mínimo signo de funcionar mal en su computadora. Créelo o no, conozco alguien que incluso era llamado por su cliente porque su celular no funcionaba bien y todo eso porque el solo había registrado el dominio y contatado el webhosting. No lo hagas, no vale la pena. Pasales los datos de algunas empresas de Hosting y deja que ellos se registren.

4. ¿Puedes copiar este sitio?
No.
Ahora puedes pensar que mi respuesta es NO, estrictamente por una cuestión moral. A pesar de que es cierto, hay otras razones igualmente importantes. Primero si están pidiéndote que copies un sitio tienen muy poca ética y las chances de que te paguen a tiempo y lo prometido son muy pocas. Segundo, hacer ese tipo de trabajo te reduce a un estado de mono, a pesar de que algunos de tus trabajos pueden ser así para ayudar a pagar las cuentas, por qué perseguirlo como propósito? Tercero, si es una copia fiel, el único beneficio que obtienes es el pago - no quieres usarlo en tu portfolio como ejemplo de tu trabajo, además ese tipo de clientes es para el cual tu no quieres trabajar en el futuro (debo admitir que yo copié un par de sitios en incluso me descubrieron, me sentí muy mal pero pude salir adelante y no lo hice de nuevo ni por todo el dinero del mundo).

5. ¿Puedo pagar mi carrito de compras con las ventas del mismo?
No.
Odio ser pesimista, pero cuando me preguntan eso me dan ganas de decirles que seguramente con el carrito no ganarán nada de dinero, por lo cual me están pidiendo que lo haga gratuitamente. Sí, lo se, hay excepciones, por eso algunas veces les pregunto por su negocio, marketing, y planes de ganancia (que el 99% de ellos no tiene). Ellos pensaban que vender camisetas era algo innovador en internet. Usualmente me entra una controversia sabiendo que tengo que mantener a mi familia y que no puedo hacerlo con trabajo especulativo. En ese momento les recomiendo Yahoo! Shopping o CafePress, y 9 de cada 10 veces nunca ponen su sitio a funcionar.

6. Tengo una gran idea. ¿Quieres...?
No.
No es muy diferente que el ítem 5 y puede ser un mayor desperdicio de tiempo si te comprometes. De nuevo, no estoy tratando de ser un idiota pero si esta persona le agrega poco a su potencial negocio fuera de que sea solo una idea, cualquier trabajo que realizes es mera caridad (con el cual tu podrías estar de acuerdo). Pero para ser honesto, prefiero ser caritativo con mi familia y amigos y hacerlos socios gratis comparados con un extraño. Créanme, si alguien tiene una buena idea y va a hacerte socio, seguramente también pagara por tu trabajo.

7. ¿Tienes una cuenta de Messenger?
No (no aplica a todos los casos).
Puedo llegar a darle esta información si es una persona en la que confío mucho y estamos involucrados en un proyecto intensivo, pero como política general, le digo a mis clientes que no es mi política general darle esa información. Las razones son obvias: tu tienes una vida y otros clientes aparte. Muchos clientes te ven como una persona a la que pueden llamar empleado y eso es malo. Es por eso que renunciaste a tu trabajo...

8. ¿Puedo pagarte el 100% cuando este todo listo?
No.
Yo requiero el 50% adelantado (a menos que sea un trabajo muy grande, en ese caso puedo pedir el 33%). Necesito la seguridad de que mi cliente está comprometido con el proyecto, de esa manera puedo planear el ingreso de dinero, pagar las cuentas y por supuesto, comer. Las personas que quieren pagar al finalizar el proyecto tienden a dejar el proyecto cuando realizaste gran parte del trabajo.

9. ¿Hay alguna manera de que termines el trabajo esta noche o durante el fin de semana?
No.
Una vez que ayudaste a tu cliente durante el fin de semana, ellos esperan lo mismo en el futuro. Tu puedes elegir trabajar por la noche (yo lo hago todo el tiempo), pero no hagas promesas de que vas a hacer cosas en la noche, los fines de semana o durante tus vacaciones. Se que muchos freelancers cobran las horas extra y por supuesto las del fin de semana, esa puede ser una ruta posible en todo caso. Porque la idea de trabajar freelance es por la libertad, no? Entonces, por qué trabajar los fines de semana si no te pagan lo que corresponde?

10. ¿Puedo estar seguro de que no vas a usar este trabajo en otro proyecto?
No.
Esta situación es muy sensible porque muchos clientes no la entienden (la propiedad intelectual es un poco complicada). En mis Términos y Condiciones que pido a todos mis nuevos clientes que firmen, me aseguro que: (1) He utilizado código de otros proyectos en su proyecto por el cual no le he cobrado; (2) Probablemente utilize código de sus proyectos en otros proyectos; (3) Ellos no son dueños del código sino de la implementación del proyecto (sitio web terminado), tampoco son dueños de los elementos de código (sistema de login, sistema para subir imágenes, etc.). Yo estoy orgulloso de mi rapidez y productividad y por eso necesito utilizar código que ya poseo para una variada cantidad de proyectos para poder hacerlo. Sin mencionar que vendo componentes de flash para los cuales utilicé también este código que me ayudó a construirlos. Tu cliente no está pagando por código que ellos eventualmente van a vender, por eso asegúrate de que ellos estén al tanto de que es la implementación y no el código lo que les pertenece.